y los grandes paisajistas como Corot, Courbet,
Millet
y Boudin.
A partir del impresionismo la concepción
de la obra
de arte es totalmente diferente a la que había surgido en
el Renacimiento.
Introducción
En el siglo XX se producirá la mayor revolución estética de la historia del arte que abandonará la imitación de la naturaleza para centrase en el lenguaje de las formas y los colores, sin intermediarios.
Al espectador se le exige una nueva actitud ante la obra de arte. Los estilos dejan de ser internacionales para ser característicos de un grupo de artistas. Los movimientos que vamos a ver son más una actitud ante el arte que una estética. Los artistas se prodigan entre escultura y pintura.
La revolución impresionista
El impresionismo
hunde sus raíces en la escuela de Barbizón
y los grandes paisajistas como Corot, Courbet,
Millet
y Boudin.
A partir del impresionismo la concepción
de la obra
de arte es totalmente diferente a la que había surgido en
el Renacimiento.
Los impresionistas tienen un nuevo concepto del artista. Salen de su estudio y pintan directamente de la realidad. La ejecución de un cuadro impresionista es muy rápida. El pintor vive de su arte, y que depende de los marchantes, los coleccionistas y las galerías.
El impresionismo es un movimiento exclusivamente pictórico. Implica una construcción visual y mental de la figura, lo que determina una actitud ante la obra activa, en lugar de pasiva. Aplican el color en pinceladas sueltas y colores puros, sin mezclarlos en la paleta. El dibujo desaparece en favor de las manchas de color que abocetan la figura. Sus temas principales son el paisaje y el cuerpo humano, pero su sello definitivo se encuentra en el tratamiento de la luz y el color.
Los impresionistas surgen como grupo en 1874, en la exposición del Salón de los Rechazados. El crítico francés Louis Leroy les llama despectivamente impresionistas, por el cuadro de Monet Impresión: sol naciente.
Su tema principal es el paisaje, del que hacen series sobre un mismo motivo capturando la luz de las diferentes horas del día. También pintan temas de la vida cotidiana, sobre todo el tiempo de ocio de la burguesía.
Los impresionistas
Edouart
Manet (1832-1883) está considerado como el precursor
del impresionismo, más que por su técnica por su actitud
ante la obra de arte, siempre escandalosa. Merienda
en la hierba,
La Olimpia.
Camile
Pissarro (1803-1903) fue el pintor que más se
acercó
a la naturaleza.
El lavadero, La estación de Perge.
Claude
Monet (1834-1906) es el pintor impresionista
más reconocido.
Impresión: sol naciente, las
series de la catedral de Rouen,
la estación de San Lázaro y de las Ninfeas.
Alfred
Sisley (1839-1899) retrata la realidad sin
efectismos. El
canal, Nieve en Louveciennes,
Campo de trigo.
Edgar Degás (1834-1917) era un buen dibujante, y en sus cuadros utiliza abundantemente el blanco y el gris. Sus temas favoritos son las bailarinas y los espectáculos nocturnos. Bailarinas preparándose para el ballet, Los jóvenes espartanos, Bañista arreglándose el pelo.
Pierre
Auguste Renoir
(1814-1919) es uno de los más puros impresionistas. El palco,
Baile en el molino de la Galette,
Mujer desnuda secándose los pies, La lavandera.
En España Joaquín Sorolla (1863-1923) es el pintor impresionista más representativo. Nadadores, Y aún dicen que el pescado es caro..., Cosiendo la vela.
La escultura
Algunos pintores
impresionistas realizan esculturas
con un aspecto
similar al de sus cuadros. Destacan Gauguín,
Degás, que esculpe bailarinas y Renoir
que realiza relieves.
El escultor
impresionista por excelencia es Auguste
Rodin,
(1840-1917): La edad del bronce, El pensador, La mano de Dios.
El neoimpresionismo
El neoimpresionismo
o divisionismo o puntillismo,
en realidad se trata de un impresionismo
radical que
lleva a las últimas consecuencias las teorías
científicas sobre el color y la luz de Chevreul.
Sus cuadros se diferencian netamente
del impresionismo
clásico. Vuelve a cobrar importancia el dibujo.
Las figuras se hacen geométricas.
No se mezclan los colores ni en la paleta ni en el cuadro. Se aplican
unos
junto a otros con pinceladas muy cortas:
puntos. Sólo
usan los colores primarios y
el ojo debe hacer la
mezcla.
Los puntillistas
Georges
Seurat
(1859-1891) es quien antes plasma en una obra de arte la nueva técnica.
Sus puntos son extremadamente pequeños.
Una
tarde de domingo en la Grande Jatte,
Un baño en Asnières,
y El circo.
Paul
Signac
(1863-1935) utiliza pigmentos y colores puros. El puerto de
Saint-Tropez,
Mujer
ante el espejo.
El simbolismo y la reacción antinaturalista
El simbolismo mantiene los supuestos estéticos del academicismo neoclásico, pero rompe con su significado.
Los simbolistas
Gustave
Moreau
(1826-1898) es un gran dibujante
y de gran virtuosismo
técnico.
La aparición, El rapto de Europa, Orfeo, Edipo.
Odilón Redón (1840-1916) representa lo mágico, lo visionario y lo fabuloso. El sueño, El nacimiento de Venus, Las flores del mal.
Pierre
Puvis Chavannes
(1824-1898) utiliza tintas planas,
subordinadas a
un buen dibujo. Bosque sagrado, Musas inspiradoras.
La escultura
Destacan Aristide
Maillol
(1861-1944), que es el gran maestro
de la escultura
simbolista:
La noche. Adolf
von Hildebrand:
Estatua
ecuestre del príncipe regente,
Medardo
Rosso: Cabeza de niño, Emile-Antoine
Bourdelle:
Hércules
arquero.
El individualismo posimpresionista
Los pintores huyen de París buscando el primitivismo del arte.
Las individualidades
Paul
Cézanne
(1839-1906) utiliza para definir sus figuras las formas
puras:
el cono, el cilindro, las esferas, etc. Los jugadores de
naipes, Grandes
bañistas, Naturaleza muerta con melocotones.
Paul
Gauguín
(1848-1906) redescubre la geometría y los
colores
planos. Se traslada a vivir primero a Pont-Aven y luego a Tahití.
Para él el arte es abstracto por
definición.
La
bella Angele, Los senos de las flores rojas, El Cristo amarillo.
Vicent van Gogh (1853-1890), sus obras se caracterizan por la explosión cromática, el trazado sensual de la pincelada gruesa y larga, los colores muy luminosos, pero también muy tétricos. Autorretrato, Vaso con girasoles, Los comedores de patatas, La silla de Vicent, Los girasoles.
Henri
Toulouse-Lautrec
(1864-1901), son característicos sus arabescos
y las
tintas planas.
El baño, Jane Abril con guantes, El salón
de la calle de los molinos.
La escuela de Pont-Aven y los nabís
Desde 1873 la villa de Pont-Aven es frecuentada por los alumnos de la Escuela de Bellas Artes de París. Sus obras se caracterizan por el uso libre del color. El color se aplica en grandes manchas y con tintas planas. Utilizan el cloisonismo, técnica que consiste en encerrar los colores planos por gruesas líneas negras. El resultado es una obra altamente decorativa.
Emile
Bernard:
Bretones bailando en la pradera, Charles
Laval: Autorretrato,
Jacob
Isaac Meyer Haan:Bretonas
tejiendo cáñamo,
Paul
Serusier: Naturaleza muerta con
escalera.
Los nabís son seguidores de las ideas estéticas de la escuela de Pont-Aven, pero no pertenecen a la Academia, o son desertores. Intentaron que el impresionismo se acercase al simbolismo. Utilizan colores planos, con un gran sentido estético. Tienen una libertad absoluta a la hora de utilizar el color y las composiciones. Proyectaron vidrieras y usaron litografías y grabados. Decoraron teatros, portadas de libros, revistas, trabajando por encargo.
Pierre
Bonnard: Retrato de Nathanson y la
señora Bonnard,
Edouard
Vuillard:
Autorretrato,
Maurice
Denis:
Paisaje
con árboles verdes.
La ostentación decorativa modernista
El modernismo no se ocupó de la pintura más que en su dimensión de escenas decorativa que complementa a la arquitectura. Trabaja, fundamentalmente, la vidriera y el papel pintado, así como el cartel para espectáculos.
Se caracteriza por el color, la fantasía y la riqueza, con un toque esnob y hortera. El cartel es el otro gran motivo modernista. Sirve para anunciar los espectáculos, de propaganda política e ideológica y de anuncio de productos industriales.
Gustav
Klimt es el más representativo: El
beso, Judith.
Alfons
Mucha:
Medea,
Ramón
Casas: etiqueta de Anís el mono,
Santiago
Rusiñol:
Jardín de Aranjuez,
Joaquín
Sunyer:
Paisaje
de Mallorca.
La escultura
Sí destaca,
en cambio, el diseño de
joyas y muebles y las
porcelanas, en las que sobresalen Lambert
Escalé:
Busto, y Pierre
Roche.
El siglo XX: Las vanguardias históricas
El hito que inicia la revolución del arte es la exposición universal de 1900 en París. La gente va a ver las máquinas que están expuestas como si fuesen estatuas. Dos nuevas técnicas están vinculadas al arte: la fotografía y el cine. Y dos son los motores del nuevo concepto del arte: lo lúdico y la agresividad autodestructiva.
El fauvismo y la rebeldía del color
El fovismo
nace en París en el Salón de Otoño de 1905,
donde un grupo de pintores exponen sus cuadro rabiantes
de
color.
Los fauvistas
Henri
Matisse
(1869-1959), sus temas preferidos
son el amor y el
lujo, odaliscas y desnudos femeninos. La blusa rumana,
Odalisca con
pandereta, Retrato de la raya verde.
Maurice
Vláminck
(1876-1958) utiliza colores
puros aplicados con gruesas
pinceladas. Retrato de Derain, El puente de Chatou.
André
Derain
(1880-1954), sus cuadros presentan pinceladas
gruesas
y cortas.
Las riberas del Sena, El puente de
Westminster.
El expresionismo
El expresionismo pretende conmover, para lo que utiliza la figura y el trazo violento.
Las individualidades
Edvard
Munch (1863-1944) en sus cuadros reflejan melancolía
y simbolismo, entristeciéndolos con colores apagados y
sombríos,
logrando un ambiente fúnebre.
El grito, Baile de la vida, La
muchacha moribunda, Vampiro.
James
Ensor
(1860-1949) presenta cuadros más alegres pero deformes. El
asombro
de la cámara de Wouse,
La máscara y la muerte.
Georges
Rouault
(1871-1958). Encierra los colores con gruesas
líneas
negras a la manera cloisonista.
Crucifixión, El divino
rostro, El viejo rey.
Amadeo
Modigliani
(1884-1920), sus obras son de gran simplicidad,
con
las formas y las líneas estilizadas y los colores
puros. Desnudo acostado.
Óscar Kokoschka (1886-1980), más por los gestos y la postura de sus figuras en los cuadros que por su técnica. La novia del viento, Puerto de Marsella.
Las escuelas
Die
Briucke
(El Puente) es la escuela más destacada del expresionismo
alemán. Son artistas
comprometidos con
la situación social y política de su tiempo. Les impacta
mucho la primera guerra mundial,
de la que ejercen
como cronistas. Ernst
Ludwig Kirchner:
Mujer
del busto desnudo con sombrero,
Erich
Heckel:
Mujer
dormida, Emil Nolde:
Bailarinas
de las velas.
Der
Blaue Reiter
(El Caballero Azul): su importancia reside,
más que
como grupo, en que sus componentes
evolucionan rápidamente
hacia otras formas, expresionistas y abstractas.
Vasily
Kandinsky: El caballero azul, Paul
Klee:
Frutas
con fondo azul.
La escultura
El expresionismo
escultórico posee una honda fuerza
emocional
y un profundo sentido social. Ernest
Barlach:
Hombre
en el cepo.
El cubismo
El cubismo es el movimiento más transcendental de todas las vanguardias históricas. A partir del cubismo el concepto de arte y de belleza cambia radicalmente. Hará un replanteamiento de la obra de arte, de lo que son las formas, la luz, la perspectiva, el movimiento, el volumen, el espacio, el color, etc.
En el cubismo
se distingue, tres etapas,
el cubismo
cezaniano,
el analítico y el sintético.
Tras la época clásica aparecen tres
escuelas:
la Sección Áurea, el orfismo
y el purismo.
Los cubistas
Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) es la gran figura central del cubismo, y uno de los grandes genios del arte universal. Las señoritas de Aviñón, marca el comienzo del cubismo. Mujer del abanico, La fábrica de Horta del Ebro, Las meninas y El Guernica.
Georges
Braque
(1882-1963) es el otro gran creador del cubismo. Naturaleza
muerta en
mesa de árbol, Casas en el estanque, El portugués, Ceret:
los tejados.
Juan Gris (1887-1927), su cubismo es sintético y coloreado. Las tazas de té, La celosía, Vaso y paquete de tabaco, El lavabo.
Sección
Áurea:
Marcel
Duchamp;
Retrato
de jugadores de ajedrez,
Frenand
Leger;
Jóvenes en un interior, Desnudos en el bosque.
Orfismo:
Robert
Delaunay;
Campo
de Marte: la torre Eiffel roja, Francis
Picabia; Procesión en Sevilla.
Purismo:
Amédée
Ozenfant;
Naturaleza muerta, Vida.
La escultura
Sus esculturas se caracterizan por la intersección de planos y volúmenes, y la descomposición de las formas. El cubismo descubre el hueco como elemento escultórico.
Alexandre
Archipenko:
Torso negro, Cabeza. Constantino
Brancuçi:
La
columna sin fin, Julio González:
Mujer
peinando sus cabellos, y Pablo
Gargallo: El profeta, Bailarina.
El futurismo
El futurismo es el primer movimiento artístico que se organiza como tal, en 1910 a través del Manifiesto futurista. Se busca el escándalo. Nada del pasado merece la pena ser conservado. Sus obras se caracterizan por el color y las formas geométricas, y la representación del movimiento y la velocidad.
Los futuristas
Umberto
Boccioni
(1882-1916) intenta representar los estados
anímicos
y el movimiento.
Dinamismo de un ciclista, Dinamismo de una cabeza
de hombre.
Carlo Carrá (1881-1966) quedará fascinado por la tecnología y los espectáculos nocturnos. Ídolo hermafrodita,Lo que me dijo el tranvía.
Giacomo
Balla
(1871-1957) investigó los problemas de la
luz y el
color. Los ritmos del arco, Dinamismo de un
perro con correa,
Niña corriendo en un balcón.
Los escultores
En las esculturas futuristas se intentará representar el movimiento. Umberto Boccioni: Síntesis del dinamismo humano, Vládimir Tatlin: monumento para la III Internacional.
Las pinturas naíf y metafísica
La pintura naíf se presenta como fruto de la intuición personal, suelen ser pintores autodidactos que representan escenas pintorescas del campo o lugares salvajes, de ahí su ingenuidad.
La pintura metafísica, por el contrario, es la representación estudiada del mundo onírico. Su carácter estático la enfrenta con el futurismo.
Los pintores
Henri
Rousseau:
La
encantadora de serpientes, La gitana dormida,
Camile
Bombois:
El
atleta foráneo.
Giorgio
Chirico,
sus obras se caracterizan por la geometría
arquitectónica,
los volúmenes sencillos, y
los climas
oníricos. Sus obras desprenden soledad,
potenciada con las figuras de maniquíes y
estatuas:
Héctor
y Andrómaca.
Dadá
Este movimiento
es más internacional. Más que una estética es una
actitud
ante el arte. El azar es uno de los motores de inspiración
del arte dadá: el ready-made.
Este concepto será transcendental en el
arte moderno.
Protagoniza numerosas actividades
escandalosas. El
centro
del arte comienza a desplazarse primero a Londres y luego
a Nueva
York.
Los dadaístas
Marcel Duchamp (1887-1968) crea el ready-made. LHOOQ, La casada desnudada por sus célibes, La fuente urinario, El secador de botellas, Rueda de bicicleta.
Hans Arp (1887-1966) no posee la agresividad de sus compañeros pero sí más humor. Llamas cantantes, Bosque, Flor-martillo, Contra-centauro.
Francis Picabia (1897-1953) fue el pintor más desconcertante de la época. Los centímetros, Plumas, El ojo cacodilato, Máquinas, Girad veloces.
El surrealismo
Se considera a André Bretón como el creador del movimiento surrealista. La obra nace del automatismo puro, del dictado del pensamiento subconsciente con exclusión de todo control ejercido por la razón, al margen de cualquier preocupación moral o estética. Lo erótico está permanentemente presente.
Los surrealistas
Salvador Dalí (1904-1989), sus cuadros presentan figuras imposibles fruto de su imaginación y de su prodigioso virtuosismo para dibujar. Canibalismo otoñal, La persistencia de la memoria, La última cena.
Joan
Miró (1893-1983) es el máximo
representante del surrealismo abstracto. Sus cuadros están
llenos de poesía. Pinta con colores puros y tintas planas. Mano
agarrando a un pájaro, La estatua, Mujeres y pájaro al claro
de luna, Noche y día (mural para la UNESCO).
Max
Ernst (1891-1976). Utiliza la técnica
del frottage.
Katharina
ondulada, La primera palabra límpida, Napoleón en el desierto,
Tentación de san Antonio.
René
Magritte
(1898-1967) provoca el choque emotivo
del color aplicado
a formas realistas puestas en lugares y momentos inverosímiles y,
en contrasentido.
Noche de Pisa, Tiempo pasado, El demonio encantado,
El Siglo de las Luces.
André
Masson
(1896-1987) analiza la estructura del
objeto para
convertirlo en una elucubración intelectual. Dibujo
automático,
Desnudo, Ánfora.
La abstracción pura
La abstracción pura, o no figurativa, es el culmen ideal del arte. Toda representación artística es una abstracción de la realidad, y la abstracción pura prescinde de todo elemento que vincule la obra de arte con el mundo natural, para quedarse exclusivamente con la idea, con el concepto y la belleza.
Vasily Kandinsky (1866-1944) es el gran teórico del arte abstracto. Puntas de arco, En alto, Lírica, Impresión V, Improvisación.
El rayonismo
El rayonismo es en realidad el último estadio del futurismo. Sin embargo, difícilmente se observa en él figura alguna. Mijaíl Larionov: Rayonismo rojo, y Natalia Goncharova: La electricidad, Bosque verde.
El suprematismo
Kasimir Malévich es el inventor del suprematismo, que se caracteriza por las figuras simples y los colores planos. Cuadrado blanco sobre fondo blanco, y la serie de pintura suprematista.
El neoplasticismo
Piet
Mondrian
máximo representante del grupo De Stijl
(El Estilo).
Su estética se conoce con el nombre de neoplasticismo
o constructivismo. Sus obras
se caracterizan
por las formas ortogonales, las líneas gruesas y los
colores
planos. Composición nº1, nº3,
nº5.
Theo
van Doesburg:
Composición
XII.
El expresionismo abstracto
El cuadro se
convierte en una masa informe de color y
líneas.
Paul
Jackson Pollock:
Ojos
en la cabeza, Catedral,
Georges
Mathieu:
Capetos
por todas partes.
El informalismo
En el informalismo
se pone de relieve la expresividad de los
materiales,
sin necesidad de figuración. Ántoni
Tapies:
Pintura abstracta, Cornelis
van Beverloo:
Juego
del sol en las olas.
El op-art y el arte cinético
El op-art es un movimiento pictórico mientras que el arte cinético es más bien escultórico.
Op-art:
Víctor
Vasarely: Triond, Supernova,
Briget
Riley: Current,
Jeffrey
Steele:
La
volta, Richard
Anuszkiewicz:
Iridiscencia.
Arte cinético es la escultura del movimiento, los móviles: Laszlo Moholy-Nagy: Moduladores del espacio, Man Ray: Objeto de construcción, Alexánder Rodchenko: Construcciones colgantes, Marta Boto: Rotaciones cinéticas, y Alexánder Cálder: Móvil estable.
Escultura abstracta
La abstracción en escultura persigue los mismos fines que en la pintura, aunque difícilmente pueden reconocerse lo mismos estilos.
Georges
Vantongerloo:
Relación
de volúmenes,
Antón
Pévsner: Proyección en el espacio,
Construcción
cinética,
Naum
Gabó:
Cabeza
de mujer.
Agradezco cualquier comentario
